“Los gemelos” es una de las comedias de Plauto de mayor éxito e influencia, es el más significativo ejemplo de comedia de equívocos de toda su producción, ya que son precisamente las confusiones provocadas por el extraordinario parecido de dos hermanos gemelos el verdadero y único motor de la acción que en ella se desarrolla. Por lo demás, destaca desde el primer momento la cuidada estructura de esta comedia. Si a esto unimos la abundancia de efectos cómicos y la riqueza de partes líricas, comprenderemos enseguida la alta estima en que generalmente ha sido tenida.

SINOPSIS

A su paso por la ciudad de Emérita, se encuentran casualmente dos amigos. Cepillo y Melindre. Hace tiempo que no se ven. Después de saludarse se preguntan por sus asuntos. Entre uno y otro, a modo de prólogo, ponen en antecedentes al público. La historia que cuentan los dos criados es la siguiente: Vivía en Siracusa cierto mercader, padre de dos hijos gemelos. En cierta ocasión, cuando los niños apenas habían cumplido los 8 años, el padre precisa de ir a Tarento por cuestiones de negocios y se lleva a uno de sus hijos, al que tiene su mismo nombre, Marco. La madre queda en Siracusa a cargo del otro niño, llamado Petronio. En el mercado de Tarento, el niño, entre la muchedumbre, se pierde. El padre se vuelve loco buscando sin encontrarlo. El niño había sido raptado por un viejo mercader que lo llevó a su casa, en Emérita, donde le daría tratamiento de hijo. Mientras, el padre, desesperado, enferma de dolor y muere.

La esposa, en Siracusa, en memoria de su marido muerto y de su hijo desaparecido, cambia el nombre de su hijo por el de Marco. Así, los dos niños pasan a tener, sin saberlo, una apariencia común y un mismo nombre. Transcurren años. Y mientras que el Marco de Emérita pasa una vida disoluta sin acordarse de su familia de origen, el Marco de Siracusa, que vivía junto a su madre, cuando ésta murió, dedica parte de su herencia a buscar al hermano desaparecido. Y así es como un día llega a Emérita. Donde empieza y se desarrolla el gran lío.

“Los gemelos” es el más significativo ejemplo de comedia de equívocos de toda la producción de Plauto.

“Las Tesmoforias” es una de las comedias más blancas y brillantes de la segunda etapa de la gran producción teatral de Aristófanes. No es una comedia política, pero sí es un gran ejercicio de guerra literaria con el que era su mayor enemigo intelectual, Eurípides. La estructura de la obra no solo permite realizar una función de alto contenido en comicidad, sino que también nos permite, trabajando en su dramaturgia, hacer un gran espectáculo que a su vez presente el porqué de esa guerra feroz que libraban los dos autores y permitir hacer un repaso en clave de humor de las grandes y maltratadas protagonistas femeninas de las obras de Eurípides y compararlas con las heroínas de Aristófanes.

Es un obsequio para cualquier director, y la idea es aprovechar todo lo que depara el texto y toda la gran obra literaria de los dos dramaturgos para permitir al espectador profundizar
en el mundo teatral clásico, a través del disparate, de la risa constante y de la comedia entendida en el ritmo y la cadencia contemporánea. La estructura original de la función facilita la incursión de personajes y escenas de otras obras de los autores, sacándolas de su contexto originario para incorporarlas y adaptarlas a nuestra propuesta, con el fin de reforzar mucho más el entendimiento y favorecer el seguimiento del texto original y a la vez potenciar e incrementar la hilaridad del espectáculo resultante.

Esteve Ferrer

SINOPSIS

Eurípides se entera de que las mujeres de Atenas están conspirando para decidir su destino, enfadadas por cómo se las retrata en sus tragedias: aparecen como locas, asesinas, ninfómanas y suicidas. Utilizan el festival de las Tesmoforias, una celebración anual dedicada a la fertilidad y a su diosa Deméter, como tapadera para tramar un plan que haga que Eurípides pague por sus injuriosas palabras.

Eurípides, aterrorizado por lo que estaba a punto de pasarle,
va a buscar ayuda a la casa del afeminado poeta Agatón. Su plan es hacer que Agatón finja ser una mujer y vaya al debate de las Tesmoforias como infiltrado para así obtener información y hablar a su favor. Pero como éste se niega, el viejo suegro de Eurípides, Mnesíloco, se ofrece a ir en su lugar. A partir de ahí empieza el enredo.

Hécuba es, con más derecho que cualquier otra jamás escrita, la tragedia de la venganza. A diferencia del vacilante Hamlet, y con más determinación que ningún otro vengador que haya pisado la escena, Hécuba no vacilará, erigiéndose a un tiempo en acusador, juez y verdugo.

Qué enorme personaje esta anciana que nació en un palacio, esposa de rey y madre de hombres llamados a ser reyes, y que hoy solo espera la hora de ser arrastrada como esclava hacia tierra extranjera. y qué paradoja que precisamente entonces, cuando parecía más débil, esta madre desdichada se revuelva –con furia animal, pero también cargada de razones– y devuelva un golpe tan irreparable como el que ella recibió.

Ha sido un privilegio dar de nuevo palabra y acción a la vieja Hécuba y a los otros extraordinarios personajes de la tragedia de Eurípides. Como ha sido un honor trabajar otra vez para el Festival de Mérida junto a mi admirado José Carlos Plaza, y hacerlo para la enorme actriz Concha Velasco. Cómo deseo que llegue la noche en que Concha haga resonar, sobre las piedras de Mérida, la voz vengadora de Hécuba.

Juan Mayorga

SINOPSIS

La obra se abre en un espacio desolado: el campo después de la batalla. La derrota de unos que sirve de poso para la victoria de los otros. Nos movemos entre despojos, no entre seres humanos… Esos seres que vemos deambular a la orilla del mar son las mujeres prisioneras, cautivas y aniquiladas, enloquecidas e inermes, que recorren las ruinas de lo que fue su vida, buscando que no se sabe qué… Hécuba camina entre cadáveres, entre los cadáveres de sus hijos… Una vez asumida la derrota, las pérdidas irreparables, solo la queda esperar bañada en dolor. Tanto es así que cuenta la leyenda, Hécuba estremeció a los propios dioses con su sufrimiento, hasta tal punto que la convirtieron en una perra aullando su dolor durante la eternidad. Y eso es Hécuba: un aullido, un llanto interminable, perpetuo e inmortal.

Decir que “Julio César” es una obra de gran actualidad resulta una obviedad, puesto que todas las obras de los grandes genios en general, y de Shakespeare en particular, lo son por definición. Sin embargo, en el caso del título que nos ocupa, me gustaría destacar su conveniencia y oportunidad en el momento presente.

Todos los expertos en Shakespeare coinciden en que el lenguaje de “Julio César” es tosco y directo, alejado seguramente de la riqueza estilística propia del dramaturgo inglés. Estoy convencido de que dicha austeridad verbal le confiere a la pieza una fuerza y una violencia poco común sobre el escenario. Me gustaría poner el acento de nuestro montaje precisamente en las palabras, en su fuerza poética y evocadora, y, de manera muy especial, en su capacidad provocadora, en su capacidad potencial para modificar el ánimo y alterar la conducta de los que las escuchan. Una manipulación, la verbal, que casi siempre está al servicio del más fuerte, del que ostenta el poder, y que casi nunca está al servicio del pueblo, es decir, de nosotros.

“Julio César” es una obra eminentemente masculina y castrense: los hombres y la guerra, los hombres y el poder que cambia de manos a través de la guerra y del golpe de estado. En este sentido, comprobamos cómo, por ejemplo, las dictaduras militares se adueñaron de toda América Latina a lo largo del siglo XX, como reacción al periodo colonial, en busca de la libertad del pueblo frente al invasor imperialista de siglos atrás. Por todo ello, creo firmemente en la oportunidad y conveniencia de la lectura en clave contemporánea (aunque no únicamente actual) de “Julio César”, en un momento claro de banalización del lenguaje y de pérdida de valor de las palabras y, por lo tanto, de las ideas.

Paco Azorín

SINOPSIS

Cayo Julio César, político y militar romano, vivió y murió hace más de dos mil años. Sin embargo, la controversia sobre las circunstancias de su muerte ha llegado hasta hoy con una nitidez asombrosa. William Shakespeare recrea en esta obra la conspiración en contra del dictador romano, su homicidio y sus secuelas. Nos encontramos ante dos pilares fundamentales de la política y de la cultura universal, convertidos ya en mitos y que aquí aparecen como un tándem indisoluble: Julio César y William Shakespeare.

“El asno de oro” es un relato sorprendente. Su autor, Lucio Apuleyo junto con Petronio está considerado como uno de los padres de la novela en Roma. Apuleyo pertenece al grupo de los llamados “neosofistas” que ejercían como oradores ambulantes. Filósofo, mago, narrador…, paseó su facundia alrededor de aquel mundo mediterráneo durante años. La influencia de su obra es inmensa en la posteridad, sobre todo a partir del Renacimiento. Desde San Agustín, Marlowe o Milton pasando por Shakespeare, Gracián, Cervantes o Lope de Vega hasta Ionesco y Kafka, o Ruleus, Goya y Rodin, su huella es constante en la creación artística occidental. Se le considera un puente en la mentalidad y la cultura oriental y su lengua está cargada de simbolismo, ritmo, belleza e intenciones polisémicas. Con “El asno de oro”, llena de acción y dinamismo, humor, ironía y una llamativa excentricidad, muestra la corrupción y la crueldad, la superstición y las tensiones del mundo mediterráneo de la época a través de un viaje que recuerda al Lazarillo de Tormes pasando calamidades. De hecho la novela se considera un antecedente clarísimo de la picaresca. El asno de oro no se ha representado nunca bajo ninguna forma, lo que añade un valor especial a su caso. El estreno mundial de un clásico latino. La música, la prosodia específica para este tipo de textos, el humor y el sentido de fiesta priman en su adaptación. Más allá del entretenimiento y la diversión que son esenciales en un espectáculo, “El asno de oro” añade la visión de la universalidad de los valores y los significados de las grandes obras: en el siglo II después de Cristo los paganos cultos, sensibles y piadosos buscaban la realización del espíritu a través del sincretismo religioso y filosófico más variado, mientras el Cristianismo derramaba ya su luz por el mundo.

Rafael Álvarez El Brujo

SINOPSIS

El protagonista, Lucio, convertido en un asno, vive con su alma humana en el interior de un cuerpo animal un largo espacio de tiempo hasta recobrar su forma humana otra vez con la luz ahora de un nuevo nacimiento. Es una historia de caída y redención, de crisis y conversión. Se ha relacionado el relato con los rituales procesos psicológicos vinculados con los antiguos misterios, especialmente los mitos de Isis y Osiris.

“—Si tu casa fuera asolada por las llamas, ¿qué querrías salvar de la destrucción? —Yo sólo salvaría el fuego.” A la autora de “Memorias de Adriano” le gustaba repetir esta frase atribuida
a Cocteau. Y son esas mismas llamas devastadoras las que están en el centro de “Fuegos”. Yourcenar, que nunca se acostumbró a mostrar en público su intimidad, abre su corazón en este libro para hablar sin rodeos de la herida sentimental que la atormentaba, cediendo la voz de su desencanto a personajes clásicos, como Clitemnestra, Safo o María Magdalena. A partir de las prosas poéticas recogidas en el libro y otros textos de la autora, el director José María Pou y el dramaturgo Marc Rosich han creado un artefacto dramático en el que Carmen Machi personifica la voz en primera persona de la novelista y las demás actrices de la compañía (Nathalie Poza, Cayetana Guillén Cuervo y Ana Torrent) se desdoblan en las diferentes heroínas que, a la manera de una máscara, permiten a Yourcenar expresar los rincones más arrebatados y torturados de su decepción. Un juego teatral intenso y lleno de pasión, que tiene como telón de fondo el mundo clásico que siempre fascinó a la autora.

SINOPSIS

En “Fuegos”, Yourcenar se abre en canal y desafía los límites de su escritura para conseguir superar una gran decepción amorosa. Bajo la dirección de José María Pou y de la mano de Carmen Machi encarnando a la misma Yourcenar, escuchamos ahora estas prosas poéticas en las que la autora desnuda toda su pasión, ayudándose de la voz de diferentes heroínas clásicas interpretadas por Cayetana Guillén Cuervo, Ana Torrent y Nathalie Poza.

En “Fuegos”, Yourcenar se abre en canal y desafía los límites de su escritura para conseguir superar una gran decepción amorosa

LA LARGA NOCHE DE MEDEA

La historia de Medea comienza donde acaba “Las hijas de Pelias”. Medea, hechicera, maga, descendiente del sol, después de traicionar a su padre y a su raza ayudando al aventurero griego Jasón a conquistar el Vellocino de Oro, asesina a su hermano y su cuerpo descuartizado es esparcido por toda la Colquida para impedir la persecución del padre.

Jasón y Medea llegan a Tesalia, donde es rey el tío de Jasón llamado Pelías, que ha usurpado la corona que por ascendencia correspondía a Jasón. Medea determina librarse de Pelias para castigar a sus hijas, que se han burlado de ella por su condición de mujer bárbara y primitiva y recuperar el poder de Jasón. Medea posee el secreto de devolver el vigor vital a los viejos. Persuade a las hijas de Pelias para que le permitan aplicar sus artes mágicas a su anciano padre y el resultado es que éste perece en terribles tormentos, quedando implicadas las hijas en el terrible asesinato.

Medea ha triunfado una vez más, pero ha ensombrecido la existencia de Jasón, que termina odiándola. Medea no es sólo bárbara, es también una mujer, y se lanza a esa perenne guerra que libran el hombre y la mujer. Una mujer salvaje más, que los civilizados han disfrutado para luego abandonarla desde que el mundo es mundo. Para Medea no puede brotar la justicia, sino una enloquecedora venganza. Comienza pues, la larga noche de Medea.

Miguel Narros

MEDEA EN EL BALLET NACIONAL

Es una de las obras maestras del ballet español de las últimas décadas. Pocas coreografías han sabido fundir con tanto acierto danza de tanta calidad para contar con semejante precisión el mito de Medea que Séneca nos ha legado. Granero, Sanlúcar y Narros realizaron este genial ballet que se estrenó en 1984. Las notas de Manolo Sanlúcar se enriquecen del genio coreográfico de José Granero: por ellas se deslizan los largos brazos de Medea, se retuerce cuando elabora su maleficio y recrea su pasión destructora por Jasón. El gran baile español nos transmite aquí a lo grande una de las historias eternas del teatro universal que, con la honda expresión del sentir flamenco, se desvela todavía más sobrecogedora.

Cristina Marinero